Lev Nikolajevič Vlasenko |

Lev Vlasenko

Obstajajo mesta s posebnimi zaslugami pred glasbenim svetom, na primer Odesa. Koliko sijajnih imen je podarilo koncertnim odrom v predvojnih letih. Tbilisi, rojstni kraj Rudolfa Kererja, Dmitrija Baškirova, Eliso Virsalazze, Liane Isakadze in številnih drugih uglednih glasbenikov, ima na kaj biti ponosen. Tudi Lev Nikolajevič Vlasenko je začel svojo umetniško pot v glavnem mestu Gruzije – mestu dolge in bogate umetniške tradicije.

Kot se pogosto zgodi pri bodočih glasbenikih, je bila njegova prva učiteljica mama, ki je nekoč tudi sama poučevala na klavirskem oddelku konservatorija v Tbilisiju. Čez nekaj časa se Vlasenko odpravi k znani gruzijski učiteljici Anastaziji Davidovni Virsaladze, diplomira, študira v njenem razredu, desetletno glasbeno šolo, nato prvi letnik konservatorija. In po poti številnih talentov se preseli v Moskvo. Od leta 1948 je bil med učenci Jakova Vladimiroviča Flierja.

Ta leta zanj niso lahka. Je študent dveh visokošolskih ustanov hkrati: poleg konservatorija Vlasenko študira (in pravočasno uspešno zaključi študij) na Inštitutu za tuje jezike; Pianist tekoče govori angleško, francosko, italijansko. Pa vendar ima mladenič dovolj energije in moči za vse. Na konservatoriju vse pogosteje nastopa na študentskih zabavah, njegovo ime postaja znano v glasbenih krogih. Vendar se od njega pričakuje več. Vlasenko je namreč leta 1956 osvojil prvo nagrado na Lisztovem tekmovanju v Budimpešti.

Dve leti kasneje se ponovno udeleži tekmovanja nastopajočih glasbenikov. Tokrat je pianist doma v Moskvi, na Prvem mednarodnem tekmovanju Čajkovski, osvojil drugo nagrado in za seboj pustil le Vana Cliburna, ki je bil takrat na vrhuncu svojega velikanskega talenta.

Vlasenko pravi: »Kmalu po diplomi na konservatoriju so me vpoklicali v vrste sovjetske vojske. Kakšno leto se nisem dotaknil inštrumenta – živel sem s popolnoma drugačnimi mislimi, dejanji, skrbmi. In seveda precej nostalgičen po glasbi. Ko sem bil demobiliziran, sem se dela lotil s potrojeno energijo. Očitno je bilo v mojem igranju takrat nekakšna čustvena svežina, neporabljena umetniška moč, žeja po odrski ustvarjalnosti. Na odru vedno pomaga: tudi meni je takrat pomagalo.

Pianist pravi, da so ga včasih vprašali, na katerem testu – v Budimpešti ali Moskvi – mu je bilo težje? »Seveda, v Moskvi,« je odgovoril v takih primerih, »Tekmovanje Čajkovskega, na katerem sem nastopil, je bilo prvič pri nas. prvi – to pove vse. Zbudil je veliko zanimanje – v žiriji je združil najvidnejše glasbenike, sovjetske in tuje, pritegnil najširše občinstvo, prišel v središče pozornosti radia, televizije in tiska. Igrati na tem tekmovanju je bilo izjemno težko in odgovorno – vsak vstop na klavir je bil vreden velike živčne napetosti …«

Zmage na uglednih glasbenih tekmovanjih – za velike zmage so šteli Vlasenkovo ​​»zlato« v Budimpešti in »srebro« v Moskvi – so mu odprle vrata na velike odre. Postane profesionalni koncertni izvajalec. Njegovi nastopi tako doma kot v tujini pritegnejo številne poslušalce. Pozornosti pa mu ne izkazujejo le kot glasbeniku, lastniku dragocenih nagrajencev. Odnos do njega je od samega začetka določen drugače.

Na odru so, tako kot v življenju, narave, ki uživajo vsesplošne simpatije – neposredne, odprte, iskrene. Vlasenko kot umetnik med njimi. Vedno mu verjameš: če je navdušen nad interpretacijo dela, je tako resnično strasten, navdušen – tako navdušen; če ne, tega ne more skriti. Tako imenovana umetnost performansa ni njegova domena. Ne igra in se ne pretvarja; njegov moto bi lahko bil: "Povem, kar mislim, izrazim, kar čutim." Hemingway ima čudovite besede, s katerimi je označil enega od svojih junakov: »Bil je resnično, človeško lep od znotraj: njegov nasmeh je prihajal iz samega srca ali iz tistega, kar se imenuje duša človeka, nato pa je veselo in odkrito prišel do površina , to je osvetlil obraz ” (Hemingway E. Za reko, v senci dreves. – M., 1961. S. 47.). Ko poslušate Vlasenka v njegovih najboljših trenutkih, se zgodi, da se spomnite teh besed.

In še ena stvar navduši javnost ob srečanju s pianistom – njegov oder družabnost. Je malo takih, ki se na odru zaprejo, od vznemirjenja umaknejo vase? Drugi so hladni, po naravi zadržani, to se čuti v njihovi umetnosti: po splošnem izrazu niso preveč »družabni«, poslušalca držijo kot na distanci od sebe. Pri Vlasenku je zaradi posebnosti njegovega talenta (pa naj bo umetniškega ali človeškega) preprosto, kot samo po sebi, vzpostaviti stik z občinstvom. Ljudje, ki ga poslušajo prvič, včasih izrazijo presenečenje – vtis je, da ga kot umetnika poznajo že dolgo in dobro.

Tisti, ki so od blizu poznali Vlasenkovega učitelja, profesorja Jakova Vladimiroviča Flierja, trdijo, da sta imela veliko skupnega – bister pop temperament, velikodušnost čustvenih izlivov, drzen, širok način igranja. Res je bilo. Ni naključje, da je Vlasenko po prihodu v Moskvo postal Flierjev študent in eden najbližjih študentov; kasneje je njun odnos prerasel v prijateljstvo. Sorodnost ustvarjalnih naravi obeh glasbenikov pa je bila razvidna že iz njunega repertoarja.

Staroselci koncertnih dvoran se dobro spominjajo, kako je Flier nekoč blestel v Lisztovih programih; vzorec je v tem, da je Vlasenko debitiral tudi z Lisztovimi deli (tekmovanje 1956 v Budimpešti).

»Ljubim tega avtorja,« pravi Lev Nikolajevič, »njegovo ponosno umetniško držo, plemenito patetiko, spektakularno togo romantike, govorniški slog izražanja. Tako se je zgodilo, da sem se v glasbi Liszta vedno zlahka znašel … Spomnim se, da sem jo že od malih nog igral s posebnim veseljem.

Vlasenko pa ne samo začel od Liszta do velikega koncertnega odra. In danes, mnogo let kasneje, so dela tega skladatelja v središču njegovih programov – od etud, rapsodij, transkripcij, skladb iz cikla »Leta potepanj« do sonat in drugih del velike forme. Tako je bil pomemben dogodek v moskovskem filharmoničnem življenju v sezoni 1986/1987 Vlasenkova izvedba obeh klavirskih koncertov, »Ples smrti« in »Fantazija na madžarske teme« Liszta; ob spremljavi orkestra pod vodstvom M. Pletneva. (Ta večer je bil posvečen 175. obletnici skladateljevega rojstva.) Uspeh pri publiki je bil res velik. In nič čudnega. Iskriva klavirska bravuroznost, splošna vznesenost tona, glasen odrski »govor«, freska, močan stil igranja – vse to je Vlasenkov pravi element. Tu se pianist pojavi z zase najbolj ugodne strani.

Obstaja še en avtor, ki ni nič manj blizu Vlasenku, tako kot je bil isti avtor blizu svojemu učitelju Rahmaninovu. Na plakatih Vlasenka si lahko ogledate klavirske koncerte, preludije in druga dela Rahmaninova. Ko je pianist »v ritmu«, je res dober v tem repertoarju: občinstvo preplavi s široko poplavo občutkov, »preplavi«, kot se je izrazil eden od kritikov, z ostrimi in močnimi strastmi. Mojstrsko obvladuje Vlasenko in debele, »violončelske« tone, ki igrajo tako veliko vlogo v klavirski glasbi Rahmaninova. Ima težke in mehke roke: zvočno slikanje z "oljem" je bližje njegovi naravi kot suhoparna zvočna "grafika"; – po analogiji, ki se je začela s slikanjem, bi lahko rekli, da mu širok čopič bolj ustreza kot ostro nabrušen svinčnik. Verjetno pa je glavna stvar pri Vlasenku, ko govorimo o njegovih interpretacijah Rahmaninovih dram, to, da sposobni zaobjeti glasbeno obliko kot celoto. Objemite se svobodno in naravno, ne da bi vas morda motile nekatere malenkosti; točno tako sta, mimogrede, nastopila Rahmaninov in Flier.

Nazadnje je tu še skladatelj, ki se mu je po besedah ​​Vlasenka z leti skorajda najbolj zbližal. To je Beethoven. Beethovnove sonate, predvsem Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, variacijski cikli, Fantasia (op. 77), so namreč tvorile osnovo Vlasenkovega repertoarja sedemdesetih in osemdesetih let. Zanimiva podrobnost: ne da bi se imenoval specialist za dolge pogovore o glasbi - za tiste, ki znajo in radi tolmačijo z besedami, je Vlasenko kljub temu večkrat govoril z zgodbami o Beethovnu na Centralni televiziji.

»Z leti se mi zdi ta skladatelj vedno bolj privlačen,« pravi pianist. "Dolgo časa sem imel eno samo sanje - zaigrati cikel petih njegovih klavirskih koncertov." Lev Nikolajevič je te sanje izpolnil in to odlično v eni od zadnjih sezon.

Seveda se Vlasenko, kot se za profesionalnega gostujočega izvajalca spodobi, obrača k najrazličnejši glasbi. Njegov izvajalski arzenal obsega Scarlattija, Mozarta, Schuberta, Brahmsa, Debussyja, Čajkovskega, Skrjabina, Prokofjeva, Šostakoviča … Vendar njegov uspeh v tem repertoarju, kjer mu je nekaj bližje in nekaj dlje, ni enak, ni vedno stabilen in celo. Vendar se ne gre čuditi: Vlasenko ima povsem določen izvajalski slog, katerega osnova je velika, zajeta virtuoznost; igra resnično po moško – močno, jasno in preprosto. Nekje prepriča in popolnoma, nekje ne povsem. Ni naključje, da če pobliže pogledate Vlasenkove programe, opazite, da se Chopina loteva previdno ...

Ko govorimo o thо ki jih izvaja umetnik, je nemogoče, da ne bi opazili najuspešnejših v njegovih programih zadnjih let. Tu so Lisztova sonata v h-molu in slike-etide Rahmaninova, Skrjabinova tretja sonata in Ginasterina sonata, Debussyjeve Podobe in njegov Otok radosti, Hummelov Rondo v Es-duru in Albenizova Cordova ... Od leta 1988 je na Vlasenkovih plakatih prikazana Druga sonata BA Arapova, ki se ga je nedavno naučil, kot tudi Bagatele, op. 126 Beethoven, Preludiji, op. 11 in 12 Skrjabin (tudi nova dela). V interpretacijah teh in drugih del so morda še posebej jasno vidne poteze Vlasenkovega modernega sloga: zrelost in globina umetniške misli, združeni z živahnim in močnim glasbenim občutkom, ki s časom ni zbledel.

Od leta 1952 Lev Nikolajevič poučuje. Sprva na moskovski zborovski šoli, kasneje na šoli Gnessin. Od leta 1957 je med učitelji Moskovskega konservatorija; v njegovem razredu so vstopnico za odrsko življenje dobili N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko in drugi pianisti. M. Pletnev je več let študiral pri Vlasenku – v zadnjem letniku na konservatoriju in kot asistent pripravnik. Morda so bile to najsvetlejše in najbolj vznemirljive strani pedagoške biografije Leva Nikolajeviča ...

Poučevanje pomeni nenehno odgovarjanje na neka vprašanja, reševanje številnih in nepričakovanih problemov, ki jih postavlja življenje, vzgojna praksa in študentska mladost. Kaj je na primer treba upoštevati pri izbiri izobraževalnega in pedagoškega repertoarja? Kako gradite odnose s študenti? kako voditi lekcijo, da bo čim bolj učinkovita? Morda pa se največja skrb pojavi za vsakega učitelja konservatorija v zvezi z javnimi nastopi njegovih učencev. In mladi glasbeniki sami vztrajno iščejo odgovor pri profesorjih: kaj je potrebno za odrski uspeh? ali se ga da nekako pripraviti, “priskrbeti”? Obenem pa očitne resnice – kot je ta, da mora biti, češ, program dovolj naučen, tehnično »narejen« in da »mora vse štimati in priti ven« – je le malokdo zadovoljen. Vlasenko ve, da je v takšnih primerih mogoče reči nekaj res uporabnega in potrebnega le na podlagi lastnih izkušenj. Le če izhajaš iz doživetega in doživetega od njega. Pravzaprav to od njega pričakujejo tisti, ki jih poučuje. "Umetnost je izkušnja osebnega življenja, povedana v podobah, v občutkih," je zapisal AN Tolstoj, " osebna izkušnja, ki trdi, da je posploševanje» (Tolstykh VI Umetnost in morala. – M., 1973. S. 265, 266.). Umetnost poučevanja, še bolj. Zato se Lev Nikolajevič voljno sklicuje na lastno izvajalsko prakso – tako v učilnici, med študenti kot v javnih pogovorih in intervjujih:

»Na odru se nenehno dogajajo neke nepredvidljive, nerazložljive stvari. Lahko pridem na primer v koncertno dvorano dobro spočit, pripravljen na nastop, prepričan vase – in bo klavierabend minil brez večjega navdušenja. In obratno. Lahko grem na oder v takšnem stanju, da se zdi, da ne bom mogel izvleči niti ene note iz inštrumenta – in igra bo nenadoma »šla«. In vse bo postalo enostavno, prijetno … Kaj je tukaj? ne vem In verjetno nihče ne ve.

Čeprav je treba nekaj predvideti, da si olajšaš prve minute bivanja na odru – in te so najtežje, nemirne, nezanesljive … – mislim, da je še vedno mogoče. Pomembna je na primer sama konstrukcija programa, njegova postavitev. Vsak izvajalec ve, kako pomembno je to – in to ravno v povezavi s problemom estradnega počutja. Načeloma se nagibam k temu, da koncert začnem s skladbo, v kateri se počutim čim bolj umirjeno in samozavestno. Pri igranju poskušam čim bolj prisluhniti zvoku klavirja; prilagoditi akustiki prostora. Skratka, stremim k temu, da se popolnoma vključim, se potopim v izvajalski proces, da me to, kar počnem, začne zanimati. To je najpomembnejše – zainteresirati, zanesti, se popolnoma osredotočiti na igro. Nato začne navdušenje postopoma popuščati. Ali pa ga morda preprosto nehate opaziti. Od tu je že korak do potrebnega ustvarjalnega stanja.

Vlasenko pripisuje velik pomen vsemu, kar je tako ali drugače pred javnim govorom. »Spomnim se, da sem se nekoč o tej temi pogovarjal s čudovito madžarsko pianistko Annie Fischer. Na dan koncerta ima posebno rutino. Skoraj nič ne poje. Eno kuhano jajce brez soli in to je to. To ji pomaga najti potrebno psihofiziološko stanje na odru – živčno razpoloženo, veselo vzhičeno, morda celo nekoliko vzneseno. Pojavi se tista posebna subtilnost in ostrina občutkov, ki sta za koncertnega izvajalca nujno potrebna.

Mimogrede, vse to je enostavno razložiti. Če je človek poln, ponavadi pade v samozadovoljno sproščeno stanje, kajne? Sama po sebi je lahko prijetna in »udobna«, ni pa ravno primerna za nastopanje pred občinstvom. Kajti le tisti, ki je notranje naelektren, ki mu vse duhovne strune napeto vibrirajo, lahko izzove odziv občinstva, ga potisne v empatijo ...

Zato se včasih zgodi isto, kot sem že omenil zgoraj. Zdi se, da vse prispeva k uspešnemu nastopu: umetnik se počuti dobro, notranje je miren, uravnotežen, skoraj samozavesten v svoje sposobnosti. In koncert je brezbarven. Čustvenega toka ni. In povratne informacije poslušalcev seveda tudi …

Skratka, treba je odpraviti napake, razmisliti o dnevni rutini na predvečer nastopa - zlasti o prehrani - potrebno je.

A to je seveda le ena plat zadeve. Prej zunanje. Na splošno bi moralo biti vse življenje umetnika – idealno – tako, da bi bil vedno, v vsakem trenutku pripravljen, da se z dušo odzove na vzvišeno, poduhovljeno, poetično lepo. Verjetno ni treba dokazovati, da je človek, ki ga zanima umetnost, ki ima rad literaturo, poezijo, slikarstvo, gledališče, veliko bolj nagnjen k visokim občutkom kot povprečen človek, katerega vsi interesi so skoncentrirani v sferi običajnega, materialnega, vsakdanjega.

Mladi umetniki pred nastopi pogosto slišijo: »Ne misli na občinstvo! Moti! Na odru razmišljajte samo o tem, kar počnete sami … «. Vlasenko pravi o tem: "Lahko je svetovati ...". Dobro se zaveda zapletenosti, dvoumnosti, dvojnosti te situacije:

»Ali je zame osebno med nastopom občinstvo? Ali jo opazim? Da in ne. Po eni strani je, ko se popolnoma prepustiš izvajalskemu procesu, kot da ne razmišljaš o občinstvu. Popolnoma pozabiš na vse, razen na tisto, kar počneš za tipkovnico. Pa vendar … Vsak koncertni glasbenik ima nek šesti čut – »čut za občinstvo«, bi rekel. In zato nenehno čutite reakcijo tistih, ki so v dvorani, odnos ljudi do vas in vaše igre.

Veste, kaj mi je na koncertu najpomembnejše? In najbolj razkriva? Tišina. Kajti vse se da organizirati – tako oglaševanje, kot zasedenost prostorov, pa aplavze, rože, čestitke in še in še, vse razen tišine. Če je dvorana zmrznila, zastala dih, pomeni, da se na odru res nekaj dogaja – nekaj pomembnega, vznemirljivega …

Ko med igro začutim, da sem pritegnil pozornost občinstva, mi to da velik izbruh energije. Služi kot neke vrste doping. Takšni trenutki so za izvajalca velika sreča, ultimacija njegovih sanj. Vendar se kot vsako veliko veselje tudi to zgodi redko.

Zgodi se, da Leva Nikolajeviča vprašajo: ali verjame v odrski navdih – on, profesionalni umetnik, za katerega je nastopanje pred publiko v bistvu delo, ki se opravlja redno, v velikem obsegu, že vrsto let ... Seveda je sama beseda »navdih« »popolnoma obrabljena, odtisnjena, obrabljena od pogoste uporabe. Ob vsem tem pa je, verjemite, vsak umetnik pripravljen skoraj moliti za navdih. Občutek je enkraten: kot da si avtor glasbe, ki se izvaja; kot da bi vse v njem ustvarili sami. In koliko novega, nepričakovanega, zares uspešnega se rodi v takih trenutkih na odru! In dobesedno v vsem – v barvanju zvoka, fraziranju, v ritmičnih niansah itd.

Rekel bom takole: povsem mogoče je narediti dober, profesionalno soliden koncert tudi brez navdiha. Takih primerov je nešteto. Če pa pride umetnik do navdiha, lahko koncert postane nepozaben ...«

Kot veste, ni zanesljivih načinov za vzbuditev navdiha na odru. Toda mogoče je ustvariti pogoje, ki bi mu bili v vsakem primeru ugodni, bi pripravili ustrezen teren, meni Lev Nikolajevič.

»Najprej je tu pomemben en psihološki odtenek. Treba je vedeti in verjeti: kar zmoreš ti na odru, ne bo naredil nihče drug. Naj ne bo tako povsod, ampak le v določenem repertoarju, v delih enega ali dveh ali treh avtorjev – ni pomembno, ni v tem bistvo. Glavna stvar, ponavljam, je sam občutek: tako kot igraš ti, drugi ne bo igral. On, ta namišljeni »drugi«, ima lahko močnejšo tehniko, bogatejši repertoar, bogatejše izkušnje – karkoli. Vendar pa fraze ne bo zapel tako kot ti, ne bo našel tako zanimivega in subtilnega zvočnega odtenka ...

Občutek, o katerem zdaj govorim, mora biti znan koncertnemu glasbeniku. Navdušuje, dviguje, pomaga v težkih trenutkih na odru.

Pogosto pomislim na svojega učitelja Jakova Vladimiroviča Flierja. Učence je vedno skušal razveseliti – prepričati jih vase. V trenutkih dvoma, ko nam ni šlo vse po sreči, je nekako vlival dobro voljo, optimizem in dobro ustvarjalno voljo. In to je nam, učencem njegovega razreda, prineslo nedvomno korist.

Mislim, da je skoraj vsak umetnik, ki nastopa na velikem koncertnem odru, v globini duše prepričan, da igra malo bolje od drugih. Sicer pa je morda sposoben igrati bolje … In za to ni treba nikogar kriviti – obstaja razlog za to samoprilagajanje.

… Leta 1988 je v Santanderju (Španija) potekal velik mednarodni glasbeni festival. Pritegnila je posebno pozornost javnosti – med udeleženci so bili I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy in drugi ugledni evropski in čezmorski umetniki. Koncerti Leva Nikolajeviča Vlasenka so v okviru tega glasbenega festivala potekali z resničnim uspehom. Kritiki so z občudovanjem govorili o njegovem talentu, spretnosti, njegovi srečni sposobnosti, da se »zanese in očara ...« Nastopi v Španiji so, tako kot druge Vlasenkove turneje v drugi polovici osemdesetih, prepričljivo potrdili, da zanimanje za njegovo umetnost ni oslabelo. Še vedno ima vidno mesto v sodobnem koncertnem življenju, sovjetskem in tujem. Toda ohraniti to mesto je veliko težje kot osvojiti.

G. Cipin, 1990