Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. Cantate Domino

Monteverdi brani pravico do čustev in svobode v glasbi. Kljub negodovanju zagovornikov pravil pretrga okove, v katere se je zapletla glasba, in želi, da ta odslej sledi le nareku srca. R. Rollan

Delo italijanskega opernega skladatelja C. Monteverdija je eden edinstvenih pojavov v glasbeni kulturi XNUMX. stoletja. V svojem zanimanju za človeka, v njegovih strasteh in trpljenju je Monteverdi pravi renesančni umetnik. Nobenemu od tedanjih skladateljev ni uspelo v glasbi tako izraziti tragičnega, občutenja življenja, se približati dojemanju njegove resnice, tako razkriti prvinske narave človeških značajev.

Monteverdi se je rodil v družini zdravnika. Njegov glasbeni študij je vodil M. Ingenieri, izkušen glasbenik, kapelnik katedrale v Cremoni. Razvil je polifonično tehniko bodočega skladatelja, ga seznanil z najboljšimi zborovskimi deli G. Palestrine in O. Lassa. Moiteverdi je začel skladati zgodaj. Že v zgodnjih 1580-ih. izšle so prve zbirke vokalnih polifonih del (madrigali, moteti, kantate), do konca tega desetletja pa je postal znan skladatelj v Italiji, član Akademije Site Cecilia v Rimu. Od leta 1590 je Monteverdi služil v dvorni kapeli vojvode Mantovskega (najprej kot član orkestra in pevec, nato pa kot kapelnik). Bujen, bogat dvor Vincenza Gonzage je pritegnil najboljše umetniške sile tistega časa. Po vsej verjetnosti bi se Monteverdi lahko srečal z velikim italijanskim pesnikom T. Tassom, flamskim umetnikom P. Rubensom, člani znamenite firenške camerate, avtorji prvih oper – J. Peri, O. Rinuccini. Skladatelj je spremljal vojvodo na pogostih potovanjih in vojaških pohodih v Prago, na Dunaj, v Innsbruck in Antwerpen. Februarja 1607 so v Mantovi z velikim uspehom uprizorili Monteverdijevo prvo opero Orfej (libreto A. Strigio). Monteverdi je pastoralno igro, namenjeno dvorskim slavjem, spremenil v pravo dramo o trpljenju in tragični usodi Orfeja, o nesmrtni lepoti njegove umetnosti. (Monteverdi in Striggio sta ohranila tragično različico razpleta mita – Orfej, ko zapusti kraljestvo mrtvih, prekrši prepoved, se ozre k Evridiki in jo za vedno izgubi.) »Orfeja« odlikuje bogastvo sredstev, presenetljivo za zgodnje delo. Ekspresivna deklamacija in široka kantilena, zbori in ansambli, balet, razvit orkestralni del služijo utelešenju globoko lirične ideje. Iz druge Monteverdijeve opere Ariadna (1608) se je do danes ohranil le en prizor. To je znamenita »Ariadnina žalostinka« (»Pustite me umreti ...«), ki je služila kot prototip za mnoge lamentne arije (arije pritožbe) v italijanski operi. (Ariadnina žalostinka je znana v dveh različicah – za solistični glas in v obliki petglasnega madrigala.)

Leta 1613 se je Monteverdi preselil v Benetke in do konca življenja ostal v službi kapelnik v katedrali svetega Marka. Bogato glasbeno življenje Benetk je skladatelju odprlo nove priložnosti. Monteverdi piše opere, balete, interludije, madrigale, glasbo za cerkvene in dvorne svečanosti. Eno najbolj izvirnih del teh let je dramski prizor "Dvoboj Tancreda in Clorinde", ki temelji na besedilu pesmi T. Tassa "Osvobojeni Jeruzalem", ki združuje branje (vloga pripovedovalca), igranje (vloga pripovedovalca). recitacijski deli Tankreda in Clorinde) in orkester, ki prikazuje potek dvoboja, razkriva čustvenost prizora. V zvezi z "Dvobojem" je Monteverdi pisal o novem slogu concitato (razburjen, vznemirjen), ki ga je postavil v nasprotje z "mehkim, zmernim" slogom, ki je prevladoval v tistem času.

Številni Monteverdijevi madrigali se odlikujejo tudi po ostro ekspresivni, dramatični značaj (zadnja, osma zbirka madrigalov, 1638, je nastala v Benetkah). V tej zvrsti polifonične vokalne glasbe se je oblikoval skladateljski slog in izbor izraznih sredstev. Posebno izviren je harmonski jezik madrigalov (krepke tonske primerjave, kromatični, disonantni akordi itd.). V poznih 1630-ih - zgodnjih 40-ih. Monteverdijevo operno delo doseže vrhunec (»Uliksesova vrnitev v domovino« – 1640, »Adonis« – 1639, »Svatba Eneja in Lavinije« – 1641; zadnji 2 operi se nista ohranili).

Leta 1642 so v Benetkah uprizorili Monteverdijevo Kronanje Popeje (libreto F. Businella po Tacitovih Analih). Zadnja opera 75-letnega skladatelja je postala pravi vrhunec, plod njegove ustvarjalne poti. V njej nastopajo specifične resnične zgodovinske osebnosti – rimski cesar Neron, znan po svoji zvitosti in okrutnosti, njegov učitelj – filozof Seneka. Marsikaj v Kronanju kaže na analogije s tragedijami skladateljevega briljantnega sodobnika W. Shakespeara. Odprtost in intenzivnost strasti, ostri, resnično "shakespearovski" kontrasti sublimnih in žanrskih prizorov, komedija. Tako Senekovo slovo od učencev – tragični vrhunec oaere – zamenja veseli vmes paža in služkinje, nato pa se začne prava orgija – Neron in njegovi prijatelji se posmehujejo učitelju, proslavljajo njegovo smrt.

»Njegov edini zakon je življenje samo,« je o Monteverdiju zapisal R. Rolland. S pogumom odkritij je bilo Monteverdijevo delo daleč pred svojim časom. Skladatelj je predvidel zelo oddaljeno prihodnost glasbenega gledališča: realizem operne dramaturgije WA Mozarta, G. Verdija, M. Musorgskega. Morda je bila zato usoda njegovih del tako presenetljiva. Dolga leta so ostali v pozabi in ponovno oživeli šele v našem času.

I. Okhalova

Sin zdravnika in najstarejši od petih bratov. Študiral je glasbo pri MA Ingenieri. Pri petnajstih je izdal Duhovne melodije, leta 1587 – prvo knjigo madrigalov. Leta 1590 je na dvoru vojvode Mantovskega Vincenzo Gonzaga postal violist in pevec, nato vodja kapele. Spremlja vojvodo na Ogrsko (med turškim pohodom) in Flandrijo. Leta 1595 se poroči s pevko Claudio Cattaneo, ki mu bo rodila tri sinove; umrla bo leta 1607 kmalu po zmagoslavju Orfeja. Od 1613 – dosmrtna služba kapele v Beneški republiki; skladba sakralne glasbe, zadnje knjige madrigalov, dramska dela, večinoma izgubljena. Okrog leta 1632 je prevzel duhovništvo.

Monteverdijevo operno delo ima zelo trdne temelje, saj je plod predhodnih izkušenj komponiranja madrigalov in sakralne glasbe, zvrsti, v katerih je kremonski mojster dosegel neprimerljive rezultate. Zdi se, da sta glavni fazi njegovega gledališkega delovanja – vsaj glede na to, kar je prišlo do nas – dve jasno ločeni obdobji: mantovsko na začetku stoletja in beneško, ki je v njegovi sredini.

Nedvomno je »Orfej« najbolj osupljiva izjava v italijanskem vokalnem in dramskem slogu zgodnjega sedemnajstega stoletja. Njegov pomen določa teatralnost, velika nasičenost učinkov, vključno z orkestralnimi, občutljivimi pozivi in ​​zaklinjanji, v katerih se zdi, da se recitacija florentinskega petja (zelo obogatena s čustvenimi vzponi in padci) bori s številnimi madrigalskimi vložki, tako da petje Orfeja je skoraj klasičen primer njihovega tekmovanja.

V zadnjih operah beneškega obdobja, napisanih več kot trideset let pozneje, je mogoče čutiti različne slogovne spremembe, ki so se zgodile v italijanski melodrami (zlasti po razcvetu rimske šole) in ustrezne spremembe v izraznih sredstvih, ki so predstavljena in združena z veliko svobodo v zelo širokem, celo razsipnem dramskem platnu. Zborovske epizode so odstranjene ali bistveno reducirane, arioza in recitativ sta prožno in funkcionalno kombinirana glede na potrebe drame, medtem ko se v gledališko arhitektoniko uvajajo druge, bolj razvite in simetrične oblike z jasnejšimi ritmičnimi potezami, ki predvidevajo kasnejšo tehniko avtonomiziranja. operni jezik, uvajanje tako rekoč formalnih modelov in shem, bolj neodvisnih od vedno spreminjajočih se zahtev poetičnega dialoga.

Monteverdi pa seveda ni tvegal odmika od pesniškega besedila, saj je bil vedno zvest svojim idejam o naravi in ​​namenu glasbe kot služabnice poezije, ki ji pomaga pri njeni izjemni sposobnosti izražanja. človeška čustva.

Ne smemo pozabiti, da je skladatelj v Benetkah našel ugodno atmosfero za libreto z zgodovinskimi zapleti, ki so napredovali po poti iskanja »resnice«, ali v vsakem primeru z zapleti, ki so naklonjeni psihološkemu raziskovanju.

Nepozabna je Monteverdijeva mala komorna opera »Dvoboj Tancreda in Clorinde« na besedilo Torquata Tassa – pravzaprav madrigal v slikovitem slogu; postavljen v hiši grofa Girolama Moceniga med karnevalom leta 1624, je navdušil občinstvo, »ji je skoraj iztrgal solze«. Gre za mešanico oratorija in baleta (dogajanje je prikazano v pantomimi), v kateri veliki skladatelj vzpostavlja tesno, vztrajno in natančno povezavo med poezijo in glasbo v slogu najčistejše melodične recitacije. Največji primer uglasbene poezije, skoraj pogovorne glasbe, "Dvoboj" vključuje osupljive in vzvišene, mistične in čutne trenutke, v katerih zvok postane skoraj figurativna gesta. V finalu se kratka serija akordov spremeni v sijoč »dur«, v katerem se modulacija konča brez potrebnega vodilnega tona, medtem ko glas izvede kadenco na noti, ki ni vključena v akord, saj v tem trenutku odpre se slika nekega drugačnega, novega sveta. Bledica umirajoče Clorinde pomeni blaženost.

G. Marchesi (prevedel E. Greceanii)